Artisguais y marujartis

Estos días de ARCO he estado pensando en las polémicas (absurdas) con las que nos obsequian los telediarios para hablar de la feria de arte más importante de España. Y viene muy a cuento el artículo de Avelina Lésper sobre el museo contemporáneo donde reflexiona acerca de si el hecho de que un objeto esté expuesto en un nuseo o galería le otorga automáticamente la categoría de Obra de Arte. Y es muy interesante lo que afirma : “Mientras los museos del arte verdadero crean su acervo con obras que aún fuera de sus muros son arte, el arte contemporáneo requiere de esos muros, de esa institución, de ese contexto para poder existir a los ojos del público como arte. No demuestran características extraordinarias y necesitan que sea el contexto el que se las designe.” Por tanto esas obras modernas necesitan el contexto para ser entendidas como Arte; está “en un museo, luego, es algo con valor.” Esto es algo que ya hemos visto en esta, vuestra casa. Pero hoy me voy a poner en el lugar del creador. Que un reportero se ponga con una señora a disertar sobre el Arte, a pie de calle, me parece ridículo. Es como si ese mismo reportero entrara a una sala de jazz y dijera: “señora, ¿le parece a usted esto música?; o ese mismo reportero entrara con esa señora a un ballet contemporáneo y le preguntase: ¿eso es bailar, señora? Banalizar así el Arte se ha convertido en la moda de los enfadados con las propuestas contemporáneas. Será muy divertido llenar la sección cultural del informativo discutiendo sobre si un periódico en la pared es Arte o no, pero eso es banalizar la obra. Es como coger un libro escrito en chino y decir que no vale nada porque no sabemos chino. Parten siempre de que lo que se nos ofrece es vacío. Sí que es verdad que ahora muchos artistas se mueven en lo conceptual-contextual, es decir: su obra se explica según una historia que propone el artista (su discurso) y también el contexto en que esta hecho o presentado. Y la gente profana quiere que el discurso sea artesano. Véndeme tu técnica, que yo la valoro, pero no tu filosofía. O al menos dame una filosofía que entienda y respete. Y entenderla es difícil a veces, pero respetada debería serlo siempre.

Así que no compro la moto de los artisguais pero tampoco la de los marujartis… ^_*

Corchi

Si en anteriores episodios os presenté a Paletín, hoy introducimos a CORCHI, la mascota del departamento de Música, hehehe... ^_*

Exit through the gift shop

No, no soy yo el de la foto. Sí, ya sé que, como estamos de carnaval, podríais pensar que os estoy enseñando mi disfraz. Pero no, eso otro día; este señor es Banksy. Un artista que me fascina. Sus reflexivos grafitis, con potentes imágenes donde la estética y la ética se mezclan, me maravillan. Pues ahora, en la Berlinale (fuera de concurso) ha presentado Exit through the gift shop, una película documental en la que se reflexiona sobre el mundo del arte.

Como veis en la imagen, el título hace referencia a que la salida de los museos suele ser por la tienda de souvenirs, que es lo verdaderamente importante del museo (jejeje). El film se basa en "un inenarrable "auténtico" artista, con nombres y apellidos: Thierrey Guetta, un obseso del vídeo. Este francés, alias Mr. Brainwash, es el elegido por Banksy para hacer lo que nadie estuvo hasta ahora autorizado: seguirle en sus acciones, cámara de vídeo en ristre, y grabarle manos a la obra, por supuesto sin revelar su identidad."

La identidad privada para Banksy es sagrada. Tanto por evitar problemas con la justicia (pues muchos de sus grafitis son realizados en zonas no permitidas) como por preservar la privacidad como indivíduo, impregnando así al "personaje Banksy" de un cierto halo superheróico y muy simbólico.

En mis enlaces está su web. Sus imágenes son potentes, críticas, estéticamente impecables y muy cargadas de contenido. Su propuesta artística es una de las más interesantes en el panorama actual para el que os escribe. Así que esta película es de obligada visión para sus fans. Os dejo que tengo que terminar mi disfraz de esta noche (que en Águilas aún es Carnaval). ^_*

No-artista

La trompetilla de Beethoven

"Aún no sé muy bien lo que es el arte. Mi única respuesta es que es un tipo de alimento que sacia una necesidad espiritual. Todo el mundo hace arte. El problema es la palabra arte. Si nos deshacemos de ella tal vez lo podamos entender mejor. Usted está comiendo; se sirve unos guisantes y los pone junto a las patatas. Y se dice: necesito poner algo rojo o naranja en el plato. O está hablando con alguien en una mesa y de pronto, deliberadamente, cambia la posición de un objeto...".

John Baldessari, artista conceptual, entrevistado en El País. Os la recomiendo. ^_*

El traje nuevo de... la reina

Los autobuses murcianos son el escaparate (galería móvil) de la obra de Carmen Molina Cantabella, realizada para la Bienal de Arte contemporáneo (PAC). Montaje de la cabeza de Mariana de Austria (pintada por Velázquez) con una fotografía de un cuerpo desnudo femenino. Es gracioso como se cruzan los papeles y se demuestra que la política es eso, política. Y en la mayoría de casos exenta de criterio propio o ideologías. Se cruzan los papeles porque la responsable de la mujer de IU habla de sexismo (y eso que, dicen, la izquierda es más progre y todo eso –open your miiind-) y el consejero de cultura (del PP) dice que "La gente que realiza declaraciones como éstas son unos incultos, unos arcaicos, unos mojigatos y unos retrógrados, y deberían informarse primero de las cosas antes de hablar". Vivir para ver. Se cambian los papeles establecidos. La izquierda es casposa y rancia y la derecha progre. Según sople el viento…

Pero vamos a lo que nos interesa. Justificación y explicación de la obra. Habla el comisario de la exposición, Javier Cerezo: “la artista ha escogido la época del barroco hasta la llamada España negra para profundizar en la identidad española a través de imágenes de idiosincrasia que todos conocen.” Traduzcamos: La artista quiere profundizar en la identidad española utilizando el retrato de Velázquez. Así profundiza a saco. Ya ves. Parte uno… Nótese el uso de la palabra identidad. Da caché. Y profundidad. Y si usas en la misma frase idiosincrasia ya te cagas. Eso es serio de la ostia. Mejor no discutir.

Ahora vamos al desnudo: “Cerezo dice que ‘es una trivialidad’ y que simplemente se trata de reflejar un reinado que ha ido perdiendo poder y protagonismo, lo que Cantabella refleja con una reina desprovista de ropa cuya única finalidad es transmitir un mensaje social, político e histórico.” Traduzcamos: Lo del desnudo es una chorrada, como la reina (monarquía) pierde poder pues hacemos la metáfora de despelotarla y ale. Y así salimos en Antena 3, Lasexta y donde sea (yo lo ví en los telediarios respectivos) y se habla de esto que es lo que cuenta. Porque aún hoy, en el siglo XXI, las tetas y coños escandalizan.

La artista dice que su propuesta se basa en el “apropiacionismo (¿os acordáis del Chema Mecano?) sirviéndose de obras y de fotografías antiguas para, practicando la distorsión, mostrar irónicamente las realidades sociales y políticas de la civilización.”

Traducción: Si hago un montaje con Photoshop de una tía en cueros y le pongo la cabeza de la reina de Velázquez ironizo sobre la civilización. ¿Por qué hay ironía en desnudar a una persona? ¿Dónde está? Blablablablá…

De verdad que no me gusta ir en plan Pérez Reverte, de verdad que me gusta mucho el Arte Moderno, de verdad que me gustaría pasar por el aro. Pero no paso, lo siento. Hoy día si reflexionas sobre la identidad desde un punto de vista introspectivo carente de artificios, deconstruyendo al indivíduo desde un punto meramente formal eres un artista que lo flipas. ¿Veis? Hay que decir cosas muy profundas que así se vende de puta madre la moto. A mi no me la venden ya… Sorry. ^_*

Actualización: Quiero dejar claro, como digo en los comentarios, que como imagen potente en un bus que va por las calles me parece bien. En un museo o galería me queda "algo manido", pues está muy trillado este rollo ya. Si quieren dar que hablar pues muy bien, conseguido. Pero me reafirmo en que no me voy a comer las explicaciones sesudas que quieren meternos con embudo; si quieren enfrentar a "entendidos e ignorantes", apocalípticos e integrados" yo no juego.

Sobre si es arte o no que cada cual decida...

Arte de rabiosa actualidad

Si queréis conocer una nueva faceta del Aarte, cuáles son los derroteros por los que discurre la poética de los creadores actuales, leed este artículo de El País. Se trata de Seppukoo y Web 2.0 Suicide Machine. "Nacieron como proyectos artísticos. Su objetivo no era hacer daño a un coloso con más de 350 millones de usuarios como es Facebook, sino más bien impulsar una reflexión sobre los conceptos de identidad y privacidad en la red, y la dificultad que entraña darse de baja de las redes sociales.(...) 'Nuestro desafío se basa en la misma declaración de derechos y responsabilidades a la que se remiten los abogados de Facebook, ya que la identidad no pertenece a la red social, sino a los usuarios. Ellos son quienes ceden voluntariamente sus contraseñas; por tanto, paradójicamente Facebook tendría que actuar en contra de ellos', indica Gordan Savicic, que ya está poniendo a punto su estrategia legal para defender su actividad artística y el derecho de la gente a disponer como mejor crean de sus datos personales."

Como véis, los artistas actuales se mueven dentro del campo de lo conceptual, de lo virtual. Y es interesante comprobar como las redes sociales cada vez están más presentes en los diferentes campos de la realidad y de la sociedad, promoviendo iniciativas, asociaciones que presionan e incluso, como en este caso, campo de experimentos artísticos, aunque a los creadores de esas redes no les haga ninguna gracia... ^_*

David y GripeAt

La Palanca de cambio de Enero ya ha salido. Este mes trae, de nuevo, mi sección "El fisgón". Una sección con chiste sobre un tema social en la que me siento cómodo. Este mes creo que lo he enrevesado un poco, pero creo que se entiende bien, finalmente. ^_*

¡¡¡BASURA!!!

Tanto criticar el Aarte moderno, tanto hablar de que "eso de allí son basuras tiradas al suelo, qué narices instalación, eso es una mierdaaa", tanto criticar y resulta que no, que la basura es Arte. Abrid los ojos y dejaos de prejuicios. ¡¡¡La basura es Arte!!! (Gracias Aurelia, por descubrirme la interesantísima obra de Shigeo Fukuda)... ^_*

Discurso artístico de (algunos) artistas de hoy

"Puedo empezar

Puedo empezar. Tengo ya preparadas las respuestas para las entrevistas periodísticas que me hagan en la prensa radio y tele.

Querrán saber qué opino y cómo soy, me mostraré ingenioso y espontaneo.

Tengo ya preparadas unas listas de personalidades muy importantes e incluso redactados ya los textos, muy agudos, de las dedicatorias.

Tengo ya preparadas las metáforas que servirán como brillante ejemplo o síntesis que aclare lo que exponga.

Y tengo preparada mi postura, al sentarme o de pie, tono de voz, expresión de los ojos y la boca.

Todo está preparado

Todo a punto, puedo empezar pues a pintar mi cuadro."

(Relato de Fonollosa al que le he cambiado sólo lo que hay en rojo.)

Actualización: Último post de Avelina Lésper (imprescindible su blog), parece que nos hemos puesto de acuerdo en hablar de lo mismo:

"Mientras el talento es el valor del artista, las obras de juventud son maduras, bellas, arriesgadas y técnicamente profesionales. Cuando el valor del artista es ser jóvenes, las obras son infantiloides, irresponsables e infra inteligentes. Convierten a la juventud un estado mental degradante, en el uniforme de la mediocridad. Ser genial no es un regalo divino, es resultado de educación y trabajo, la insistencia de desmitificar el talento es un abuso igualitario."

El Aura

Hola amig@s, después de acabar las fiestas un poco hecho yesca, empezamos año y qué mejor que hacerlo hablando de nuestro tema estrella: El Aarte. Uno de los fenómenos que han influído sobremanera en la concepción del término “Arte” ha sido la posibilidad de la reproducción. Acerca de esto encontramos aquí esta reflexión:

“ En el siglo XV el arte era patrimonio exclusivo de aquellos que acaudalados y “cultos” merecían disfrutarlo. El arte era técnica, color, pinceles y codicia. Luego llegaron las vanguardias del siglo XX, que en su afán de acercar el arte con el pueblo terminaron por alejarse más aún por incomprendidas. Más tarde, Walter Benjamín ya vaticinaba algunos cambios. La obra de arte en la época de la reproductividad técnica pierde autenticidad, pierde el aura, dice. Se reproduce masivamente, expande sus fronteras y comienza a habitar espacios, objetos y rincones nunca antes habitados. Llaveritos, remeras y cuadernos con la cara de La Gioconda. Hoy, nuevos cambios nos hacen repensar el arte, y el concepto que tenemos del mismo.”

El texto de Walter Benjamin del que habla lo tenéis aquí, muy importante para estudiantes de historia del Arte o Bellas Artes, todo un clásico, vamos. En ese artículo Benjamin reflexiona sobre el Arte en la época de la popularización de las técnicas reproductivas: fotografía, impresiones y demás. Habla del concepto de “aura” de una forma parecida a lo que sería el alma en las personas. Extraigo un fragmento representativo:

“ Incluso en la reproducción mejor acabada falta algo: el aquí y ahora de la obra de arte, su existencia irrepetible en el lugar en que se encuentra.El aquí y ahora del original constituye el concepto de su autenticidad.(…)Resumiendo todas estas deficiencias en el concepto de aura, podremos decir: en la época de la reproducción técnica de la obra de arte lo que se atrofia es el aura de ésta. “

Evidentemente el consumidor de Arte ocasional, no el profesional, cualquiera que en un momento dado compra algo para su casa, valora lo único. Esta dispuesto a pagar más por un óleo (obra única irrepetible) que por una fotografía, grabado o arte infográfico (hecho con algún programa informático). Esto no es así para el coleccionista profesional que, como hemos visto en otros post, valora para comprar quién es el autor de la obra, en una suerte de “marquismo” y estatus social, como dice Thompson en el libro del tiburón de los doce millones de dólares. Pero os lanzo dos preguntas a los visitantes fijos y ocasionales del blog:

1.- ¿Pagaríais lo mismo por un óleo que, por ejemplo, por una fotografía?

2.-Consideráis obra de Arte algo que no tiene el atributo de único? Dicho de otro modo, ¿un cuadro pintado con el Paint o Photoshop tiene la misma entidad artística que uno hecho manualmente, dejando la huella del pincel y materiales usados sobre el lienzo?

Reseteamos y empezamos 2010…Saludos ^_*

La Palanca de Cambio #18

Os dejo mi colaboración para el número de diciembre de La Palanca, otra entrega de El Fisgón. Y con esto me retiro hasta el año que viene, sed buen@s...^_*

Mezclas Cristomáticas

Visto en el blog de Julia Segal, revisados los colores y adaptado al castellano os dejo la mezcla de los tres colores primarios de Jesús (hoy es un buen día ¿no? celebramos su cumpleaños ;) ^_*

Felices Fiestas Amig@s

Os deseo que paséis días muy felices hagáis lo que hagáis, seáis cristianos, musulmanes o jedis. Y que los Reyes Magos os traigan muchos cerebros (que es lo que me desea a mí el amigo Dani Marco). Gracias por hacer que disfrute con este blog y que me merezca la pena seguir con él ^_*

...y dale Perico al torno...

"¿Cuánto vale una vieja foto de stalin? Nada. ¿Y si Damien Hirst le pinta encima una nariz roja?155.000 euros. cuando el artista contemporáneo se convierte en marca; el mercado, en especulación, y la obra, en símbolo de estatus, ¿qué queda del arte?"

En el diario El País nuevo artículo sobre el mundo del arte.

Para gustos..., así que:

1) Si os gusta el Arte moderno :

http://www.arte10.com/

2) Si lo detestáis y os cabrea muchísimo: http://hartismo.blogspot.com/

Sigue pareciéndome vacío posicionarse en un córner de la situación como si habláramos de equipos de fútbol. A mí, Arte me parece, por ejemplo, la exposición de Tim Burton en el MOMA de Nueva York (clic en la imagen):

La mirada educada

La evolución de los videojuegos, como todo lo relacionado con el mundo informático, es constante e imparable. Mes a mes salen juegos que envejecen a sus predecesores incluso si son del mismo año en curso. Nosotros, como jugadores-espectadores vamos acoplándonos a esos avances de forma totalmente natural y, en ocasiones, inconsciente. Así, poniendo de ejemplo un juego mítico para los gamers, voy a intentar explicar como la mirada se acopla al universo en el que la introducen los creadores, sea del campo visual que sea. La imagen que tenéis a continuación muestra cuatro entregas del videojuego METAL GEAR para la Playstation de Sony. Este post se me ocurrió el otro día mientras jugaba a la 4ª entrega para la Play3 con mi hermano, cuando apareció ante nosotros la evolución de la especie gracias al cable HDMI. Sin entrar en detalles técnicos (para eso están los blogs tecnológicos) el nivel de detalle aumentó considerablemente, así que ambos babeamos un rato ante el nuevo mundo visual que se nos abría. La evolución de Metal Gear metaforiza como los videojuegos evolucionan a pasos agigantados, siendo prehistoria la época ochentena de los Amstrad, MSX o Spectrum. Pero ante esa evolución nuestro ojo lo hace a su vez. Evoluciona la tecnología visual y nuestra mirada también. Si os pregunto cómo recordáis un juego que os gustaba en los 90 estoy seguro que no lo recordáis “cutre” o desfasado, eso se produce en comparación con el actual. Es decir, los nuevos referentes nos cambian la visión. Una animación cinematográfica a lo Harryhausen ha quedado obsoleta en comparación con las modernas cinematográficas, pero cuando nuestro ojo no tenía el referente actual no transmitía a nuestro cerebro esa sensación de “hecho torpemente”. Es por eso que cuando los Lumière proyectaron la mítica grabación de la llegada del tren a la estación la gente huía despavorida temiendo esa imagen como real.
Todo esto lo traigo a colación para lanzar mi teoría de que, en el cómic, el ojo se adapta al mundo que le presentamos de una forma automática. A día de hoy ese proceso es difícil para un chaval educado (visualmente) en la época del cine 3D, por lo que “venderle” una película stop motion es casi imposible. Pero esto en el cómic no ocurre, puesto que las evoluciones son estilísticas, no tecnológicas (hablo de los comics impresos).

Cuando nos ponemos a leer un cómic en el extremo realista, por ejemplo Alex Ross, el autor nos sumerge en ese universo real y dado que es casi fotográfico no nos es difícil entrar. Pero en el extremo opuesto (aquí os he puesto una página de Jeffrey Brown) ese proceso también es posible. Brown no dibuja realista ni académicamente, dibuja “mal”; lo cual no hace que su universo nos sea extraño.

Su universo (visual) refuerza el literario. La sensación que transmite su obra es una simbiosis de ese dibujo torpe y frágil con su prosa. Eso es lo que a mí me entusiasma del tebeo, eso es lo que creo que lo hace una de las artes más potentes. Se acerca a la capacidad de sugestión de la literatura, supera la del cine (me refiero al cine espectacular y visual) porque éste lo da ya mascado y también, la historieta, es menos críptica que la pintura (en general, claro). El poder de someterse al universo (visual y literario) del creador es infinito. Por supuesto, como siempre, es una opinión. ¿qué os parece? ^_*